Não tem muito como descrever – o trabalho é simplesmente fantástico. Só assistindo pra entender.

Luis Alberto P Buschin

http://www.criatives.com.br/2012/11/animacao-do-jogo-angry-birds-star-wars/

Mostrou como seria a junção de Andry Birds com Star Wars em um animação para a divulgação de um jogo… Vejam como ficou:

“Já imaginou juntar 2 nomes de sucesso como os jogos do Angry Birds e a saga do Star Wars em um unico projeto ?
Foi exatamente isso o que aconteceu com o jogo Angry Birds Star wars. A Rovio lançou uma animação para a divulgação do novo jogo, que mesmo sendo disponibilizado no dia 08/11 já conta com milhares de jogadores e releases sobre o novo game espalhados pela internet.

“Angry Birds: Star Wars” foi lançado hoje para iOS, Google Play, PC, Amazon, Mac, Windows 8 e Windows Phone 8: Caso você teve interesse, basta entrar no site a seguir para fazer o download do jogo: download.angrybirdsstarwars.com”

Luis Alberto P Buschin

E sempre esperamos a da Coca Cola com suas criações bem criativas.

Consegui algumas informações sobre a campanha deste ano..

Vejam aí

“Vamos combinar: Natal sem comerciais (lindos e maravilhosos) da Coca-Cola, não é Natal. A marca, que investe em singles natalinos desde 1987, possui campanhas de época que são utilizadas como referências até hoje (quem é que não lembra das ursos-pandas?).

Infelizmente, a Coca-Cola não foi assim tão inspiradora com a sua campanha desse ano. O comercial “Snow Globe”, que você vê abaixo, nada mais é do que uma reedição da ideia utilizada em 2010. Apesar disso, o comercial possui diversas versões, localizadas para cada país.

A base da iniciativa global é a música de Natal da Coca-Cola esse ano, a “Something in the Air”, gravada pelos artistas Grayson Sanders, Lauriana Mae e Jono. O single natalino é tradição da marca desde 1987, e a canção será vendida na iTunes Store.”

Informações de: http://www.criatives.com.br/2012/11/a-campanha-de-natal-da-coca-cola/

Luis Alberto P. Buschin

O filme vai ser rodado em cinco dias, em dezembro, no deserto do Atacama, no Chile, e será lançado em 2013.

Ter um diretor como Ridley Scott na produção não é para qualquer um. Mas, afinal estamos falando de um Jaguar. Assista ao teaser do filme “Desire“, curta-metragem que vai apresentar o modelo F-Type, da Jaguar.

Pesquisando ainda sobre Cinema, encontrei um conteúdo que venho partilhar.

Com certeza vocês ja devem ter visto com bonecos que parecem ser modelados em massinha… Esta tecnica é o Stop Motion que também agrada aos amantes de cinema.

Segundo Wikipedia:

Stop motion é uma técnica de animação fotograma a fotograma (ou quadro a quadro) com recurso a uma máquina de filmar, máquina fotográfica ou por computador. Utilizam-se modelos reais em diversos materiais, dentro dos mais comuns, estão a massa de modelar, ou especificamente massinha (em Portugal, plasticina). Muitos contêm sistema de juntas mecânico, com mecanismos de articulações muito complexos. No cinema o material utilizado tem que ser mais resistente e maleável, visto que os modelos têm que durar meses, pois para cada segundo de filme são necessárias aproximadamente 24 quadros (frames).

Os modelos são movimentados e fotografados quadro a quadro. Estes quadros são posteriormente montados em uma película cinematográfica, criando a impressão de movimento. Nesta fase podem ser acrescentados efeitos sonoros como fala ou música.

E este video é um exemplo de Stop Motion criado no Brasil.

Animação e boneco de Luciano do Amaral;
Direção,concepção,cenário e adereços de Cesar Coelho.
Minissérie “Afinal,o que querem as mulheres?”.

Espero que gostem !

Luis Alberto P. Buschin

Procurando conhecer mais sobre Cenografia encontrei algumas informações que postarei para vocês aqui:

Cenografia é a arte e ciência de projetar e executar a instalação de cenários para espetáculos teatrais ou cinematográficos.

Para os gregos antigos, a cenografia era a arte de adornar o teatro e a decoração de pintura que resulta desta técnica. Para o Renascimento, a cenografia foi a técnica que consiste em desenhar e pintar uma tela de fundo em perspectiva. Já no sentido moderno, é a ciência e a arte da organização do palco e do espaço teatral. A palavra se impõe cada vez mais em lugar de decoração, para ultrapassar a noção de ornamentação e de embalagem que ainda se prende, muitas vezes, à concepção obsoleta do teatro como decoração.

A cenografia marca bem seu desejo de ser uma escritura no espaço tridimensional (ao qual seria mesmo preciso acrescentar a dimensão temporal), e não mais uma arte pictórica da tela pintada, como o teatro se contentou em ser até o naturalismo. A cena teatral não poderia ser considerada como a materialização de problemáticas indicações cênicas: ela se recusa a desempenhar o papel de “simples figurante” com relação a um texto preexistente e determinante.

Entre os profissionais envolvidos nas atividades de cenografia estão cenógrafo, cenógrafo assistente, cenotécnico, contra-regra, pintor, maquinista, forrador, estofador aderecista, pintor de arte, maquetista.

Um cenário é composto de elementos físicos e/ou virtuais que definem o espaço cênico, bem como todos os objetos no seu interior, como cores, texturas, estilos, mobiliário e pequenos objetos, todos com a finalidade de caracterizar a personagem, e tendo como base os perfis psicológico e econômico determinados na sinopse ou em um briefing.

Informação do Wikipedia

Luis Alberto P. Buschin

Ainda não entendeu bem a função de um diretor de arte ?
Aí está um video que explica bem e mostra experiencia de um diretor exercendo sua função !http://teatronasaladeaula.blogspot.com.br/2011/06/direcao-de-arte.html

Espero que gostem !!!!

Luis Alberto P. Buschin

fonte: Whitezine

Behind the scenes:

Algumas breves cenas, making e comentários.

Produzida pela Disney em parceria com a Jim Henson Productions - a qual concebeu os bonecos que representam os personagens – e a Michael Jacobs Productions, entre os anos de 1991 e 1994, a série trata das aventuras de uma família de dinossauros, a Família Silva Sauro (Sinclair, em inglês), que vive em uma sociedade dominada pelos grandes répteis, onde os humanos são animais selvagens.

A parte mais fantástica de toda a produção são os movimentos dos bonecos, que foram o grande diferencial da série, e para entender melhor os Deuses inventaram o Making Of !

Não se pode explicar, mas da para entender um pouco com o Behind The Scenes

Puppet Design !

The Pirates ! Behind the Scenes:

Atenção para o tamanho real do cenário !

1. Conto de Natal

Um dos contos mais populares de Charles Dickens, Um Conto de Natal, ganhou diversas adaptações para o cinema. Só em nosso ranking, duas aparecem. A primeira é uma produção feita em 1999 para a televisão americana, que também acabou fazendo muito sucesso por aqui.

2. Esqueceram de mim

Um dos clássicos modernos sobre o natal, campeão em reprise nas vésperas do dia 25. Macaulay Culkin é Kevin McAllister, um garoto de oito anos que foi esquecido pela família gigantesca que acabou de voar em férias para Paris. Bem, na sequência, produzida também por Chris Columbus, dois anos depois do primeiro sucesso, Kevin até que tentou acompanhar os parentes, mas entra sem querer no avião errado e vai parar em Nova Iorque.

3. Milagre na Rua 34

A versão de Milagre na rua 34 de1994 acabou batendo até mesmo o filme original, de 1947. A produção conta a história do sr. Kris Kringle, velhinho muito simpático, que afirma ser o Papai Noel de verdade. Ele, em um dia de trabalho na loja de departamentos que o contratou, conhece a pequena Susan, que apesar de ter apenas seis anos sabe muito bem da onde vem seus presentes de natal.

4. O Grinch

O Grinch é um sujeito verde malvado que odeia o Natal e tudo o que ele representa. Então, ele monta um plano malígno e rouba todas as árvores de natal da cidade de Whoville, deixando seus moradores com o espírito natalino lá em baixo. Em meio a sua missão, o Grinch topa com a pequena Cindy Lou Who, que decida ser amiga do Grinch e mostrar que o Natal pode ser uma ápoca de alegria. História com moral bonitinha. Dr. Seuss era especialista. Antes de ser filme com Jim Carrey completamente irreconhecível, era um desenho para o dia 25 muito popular.

5. Os Fantasmas Contra-Atacam

Esta é a segunda versão do Conto de Natal, segundo colocado daí de cima. Na leitura trazida para o dias de hoje, Os Fantasmas Contra-Atacam mostram o valor de ser bom, principalmente no natal, ao cínico e mesquinho produtor da televisão Frank Cross.

6. Um Natal muito louco

Este é o representante 2004 dos filmes de natal do nosso ranking. Tim Allen, muito popular nos EUA, e Jamie Lee Curtis (se unem na história dos Kranks, uma família que sempre sofreu de “Christimas Fever”, febre natalina. Quando a filha de Luther e Nora Krank decide passar o natal longe de casa, os pais decidem comemorar suas férias em outro lugar.

7. Um Pedido de Natal

Outro campeão da sessão da tarde. E pensar que o garoto acabou virando ator de televisão e a pequena Thora Birch foi indo no cinema até sucessos como Beleza Americana. Um Pedido de Natal conta a história de dois irmãos, Ethan e Hallie, que vivem em Nova Iorque e tudo o que eles mais queriam de Natal era comemorar a data com os pais reunidos.

8. Um Herói de Brinquedo

Arnold Schwarzenegger ficou conhecido por suas investidas na comédias. E acabou em uma destas aventuras tentando agradar as bilheterias natalinas. Em Um Herói de Brinquedo, o vendedor de colchões Howard Langston se atrasa para a aula de karatê do seu filho Jamie. Para consertar as coisas com o garoto, ele pergunta a Jamie o que ele mais gostaria de ganhar no natal. A partir daí, Howard parte em uma busca cheia de confusões pelo presente ideal para o filho.

9. Férias Frustradas de Natal

Ainda é preciso muita descrição para o nosso penúltimo escolhido. Férias Frustradas de Natal é um dos filmes da época mais reprisados até hoje e, por incrível que pareça, ainda traz pedações que nos fazem cair na gargalhada. Situações absurdas sempre aconteceram com a família Griswold. Nenhuma das suas férias saem como eles esperam.

10. A felicidade não se compra

O mais clássico dos filmes de natal figura em todas as listas de melhores produções e é um clássico das fábulas de famílias que vislumbram todo o espírito do milagre natalino.

Fonte: desabafosnerd.com.br

Confiram porque rendeu um prêmio de melhor video.

E para os que já conhecem um pouco de 3D, chorem ao ver este movimento de cabelo !

é um rascunho de como isso pode ser feito.

“Este é o cenário no qual se desenvolve a animação “9 – A Salvação”, criada por Shane Acker a partir de seu curta homônimo, que foi indicado ao Oscar em 2006, com produção de Tim Burton (“A Fantástica Fábrica de Chocolate”, “A Noiva Cadáver”) e do russo Timur Bekmambetov.”

Relacionando-se com a pintura, a literatura fantástica, primórdios da animação e os totalitarismos do século passado, “9 – A Salvação” é uma parábola sobre a desumanização em contraposição ao avanço da tecnologia.

Uma história ao mesmo tempo empolgante e enigmática, o filme pode assustar as crianças pequenas, com seu visual soturno, seu humor retraído e a falta de figurinhas fofas – apesar do fato de os homenzinhos serem engraçadinhos de uma forma estranha.

Abaixo um breve comentário passado no Moviebox.

Se tem Tim Burton, tem diferença !

Really cool look at the making of Alice in Wonderland.

Go behind the scenes on the set of the new film Avatar and learn all about the art of performance capture. This revolutionary new technique is changing the way CGI characters are developed. Avatar is in theaters December 18th.

The Walking Dead

The designers, artists, engineers, and production staff of 343 industries talk about the challenges and goals in creating a brand new race of enemies for Halo 4. See early concepts of the Prometheans and learn about their technology and fearsome weapons.

Halo 4 will be released on November 6, 2012 for the Xbox 360.

This weeks behind the scenes we take you on a ghostly trip onto the set of The Possession.

Based on a true story (of a box bought on ebay), THE POSSESSION is the terrifying story of how one family must unite in order to survive the wrath of an unspeakable evil. Clyde (Jeffrey Dean Morgan) and Stephanie Brenek (Kyra Sedgwick) see little cause for alarm when their youngest daughter Em becomes oddly obsessed with an antique wooden box she purchased at a yard sale. But as Em’s behavior becomes increasingly erratic, the couple fears the presence of a malevolent force in their midst, only to discover that the box was built to contain a dibbuk, a dislocated spirit that inhabits and ultimately devours its human host. Starring Jeffrey Dean Morgan (WATCHMEN) and Kyra Sedgwick (“The Closer”), THE POSSESSION is directed by Ole Bornedal (NIGHTWATCH), written by Juliet Snowden & Stiles White, and produced by horror master Sam Raimi along with Robert Tapert and J.R. Young. Lionsgate and Ghost House Pictures present.

Saiu no site do G1 no dia 24/11 deste ano a premiação do filme ” O Palhaço” uma produção brasileira dirigida pelo Selton Mello que ganhou mais três premios no Festival de Cinema de Huelva.

Segue uma parte do conteúdo disposto no site. Se quiser mais informações, entre no site http://g1.globo.com/pop-arte/cinema/noticia/2012/11/o-palhaco-ganha-tres-premios-em-festival-de-cinema-de-huelva.html que tem mais detalhes:

“”O palhaço”, produção brasileira indicada para concorrer a uma vaga no Oscar 2013, dirigida pelo ator Selton Melo, levou três prêmios no Festival de Cinema Ibero-americano de Huelva: Colón de prata à Melhor Fotografia para Adrián Tejido, Prêmio do Público ao Melhor Longa-Metragem, eleito pelos espectadores que depositaram seus votos ao fim de cada sessão, e menção especial a Claudio Amaral Peixoto pela direção de arte do filme.”

Luis Alberto P. Buschin

Mais um post do diretor de arte Marcos Marques, onde ele comenta um pouco do processo!

#revistaepoca

João Paulo Macedo

#portalfamososbr.com

João Paulo Macedo 

• 1980 – Philip Rosenberg, Tony Walton, Edward Stewart e Gary Brink por All That Jazz
• 1981 – Pierre Guffroy e Jack Stephens por Tess
• 1982 – Norman Reynolds, Leslie Dilley e Michael Ford por Raiders of the Lost Ark
• 1983 – Stuart Craig, Bob Laing e Michael Seirton por Gandhi
• 1984 – Anna Asp por Fanny och Alexander
• 1985 – Patrizia von Brandenstein e Karel Cerny por Amadeus
• 1986 – Stephen Grimes e Josie Macavin por Out of Africa
• 1987 – Gianni Quaranta, Brian Ackland-Snow, Brian Savegar e Elio Altamura por A Room with a View
• 1988 – Ferdinando Scarfiotti, Bruno Cesari e Osvaldo Desideri por The Last Emperor
• 1989 – Stuart Craig e Gerard James por Dangerous Liaisons

Década de 1990

• 1990 – Anton Furst e Peter Young por Batman
• 1991 – Richard Sylbert e Rick Simpson por Dick Tracy
• 1992 – Dennis Gassner e Nancy Haigh por Bugsy
• 1993 – Luciana Arrighi e Ian Whittaker por Howards End
• 1994 – Allan Starski e Ewa Braun por Schindler’s List
• 1995 – Ken Adam e Carolyn Scott por The Madness of King George
• 1996 – Eugenio Zanetti por Restoration
• 1997 – Stuart Craig e Stephanie McMillan por The English Patient
• 1998 – Peter Lamont e Michael Ford por Titanic
• 1999 – Martin Childs e Jill Quertier por Shakespeare in Love

Década de 2000

• 2000 – Rick Heinrichs e Peter Young por Sleepy Hollow
  • Indicados: Luciana Arrighi e Ian Whittaker por Anna and the King

David Gropman e Beth A. Rubino por The Cider House Rules

Roy Walker e Bruno Cesari por The Talented Mr. Ripley

Eve Stewart e John Bush por Topsy-Turvy

• 2001 – Timmy Yip por Wòhǔ Cánglóng / Crouching Tiger, Hidden Dragon
  • Indicados: Arthur Max e Crispian Sallis por Gladiator

Michael Corenblith e Merideth Boswell por How the Grinch Stole Christmas

Martin Childs e Jill Quertier por Quills

Jean Rabasse e Françoise Benoît-Fresco por Vatel

• 2002 – Catherine Martin e Brigitte Broch por Moulin Rouge!
• Indicados: Aline Bonetto e Marie-Laure Valla por Le fabuleux destin d’Amélie Poulain

Stephen Altman e Anna Pinnock por Gosford Park

Stuart Craig e Stephanie McMillan por Harry Potter and the Sorcerer’s Stone

Grant Major e Dan Hennah por The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring

• 2003 – John Myhre e Gordon Sim por Chicago
  • Indicados: Felipe Fernández del Paso e Hania Robledo por Frida

Dante Ferretti e Francesca Lo Schiavo por Gangs of New York

Grant Major, Dan Hennah e Alan Lee por The Lord of the Rings: The Two Towers

Dennis Gassner e Nancy Haigh por Road to Perdition

• 2004 – Grant Major, Dan Hennah e Alan Lee por The Lord of the Rings: The Return of the King
  • Indicados: Ben van Os e Cecile Heideman por Girl with a Pearl Earring

Lilly Kilvert e Gretchen Rau por The Last Samurai

William Sandell e Robert Gould por Master and Commander: The Far Side of the World

Jeannine Claudia Oppewall e Leslie A. Pope por Seabiscuit

• 2005 – Dante Ferretti e Francesca Lo Schiavo por The Aviator
  • Indicados: Gemma Jackson e Trisha Edwards por Finding Neverland

Rick Heinrichs e Cheryl Carasik por Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events

Anthony Pratt e Celia Bobak por The Phantom of the Opera

Aline Bonetto por Un long dimanche de fiançailles

• 2006 – John Myhre e Gretchen Rau por Memoirs of a Geisha
  • Indicados: James D. Bissell e Jan Pascale por Good Night, and Good Luck

Stuart Craig e Stephanie McMillan por Harry Potter and the Goblet of Fire

Grant Major, Dan Hennah e Simon Bright por King Kong

Sarah Greenwood e Katie Spencer por Pride and Prejudice

• 2007 – Eugenio Caballero e Pilar Revuelta por El laberinto del fauno
  • Indicados: John Myhre e Nancy Haigh por Dreamgirls

Jeannine Claudia Oppewall, Gretchen Rau e Leslie E. Rollins por The Good Shepherd

Rick Heinrichs e Cheryl Carasik por Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest

Nathan Crowley e Julie Ochipinti por The Prestige

• 2008 – Dante Ferretti e Francesca Lo Schiavo por Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street
  • Indicados: Arthur Max e Beth A. Rubino por American Gangster

Sarah Greenwood e Katie Spencer por Atonement

Dennis Gassner e Anna Pinnock por The Golden Compass

Jack Fisk e Jim Erickson por There Will Be Blood

• 2009 – Donald Graham Burt e Victor J. Zolfo por The Curious Case of Benjamin Button
  • Indicados: James J. Murakami e Gary Fettis por Changeling

Nathan Crowley e Peter Lando por The Dark Knight

Michael Carlin e Rebecca Alleway por The Duchess

Kristi Zea e Debra Schutt por Revolutionary Road

Década de 2010

• 2010 – Rick Carter; Robert Stromberg; Decoração de Set: Kim Sinclair por Avatar
  • Indicados: John Myhre; Set Decoration: Gordon Sim Nove (filme)

Dave Warren; Anastasia Masaro; Decoração de Set: Caroline SmithThe Imaginarium of Doctor Parnassus

Sarah Greenwood; Decoração de Set: Katie Spencer Sherlock Holmes

Patrice Vermette; Decoração de Set: Maggie Gray The Young Victoria

• 2011 – Alice in Wonderland – Diretor de arte: Robert Stromberg; Decorador de set: Karen O’Hara
  • Indicados: Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1 – Diretor de arte: Stuart Craig; Decorador de set: Stephenie McMillan

Inception – Diretor de arte: Guy Hendrix Dyas; Decorador de set: Larry Dias e Doug Mowat

The King’s Speech – Diretor de arte: Eve Stewart; Decorador de set: Judy Farr

True Grit – Diretor de arte: Jess Gonchor; Decorador de set: Nancy Haigh

Nesse ano de 2012, o filme “A invenção de Hugo Cabret” ganhou como melhor direção de arte e ainda levou outros 4 prêmios.

O nome de Andy Serkis entrou nos radares de todo mundo quando “O Senhor dos Anéis” estourou no cinema. Ele ajudou a criar Gollum e só isso já bastava para garantir seu lugar no Olímpo Nérdico, entretanto, o hobbit psicopata-comedordepeixe-crue-com-duplapersonalidade foi apenas uma razão para descobrirmos um ator veterano, cheio de filmes e peças em seu currículo – como o imperdível Einstein and Eddington e o maluco Deatwatch – e, acima de tudo, uma alma de artista.

Por ter virado referência na técnica de captura de movimento (em “O Senhor dos Anéis”) e agora na evoluída e rebatizada Captura de Performance (mo-cap), tudo que ele faz precisa ser analisado, assimilado e, no bom aspecto, copiado por todos, afinal, o ator foi capaz de dar profundidade e relevância a uma técnica usada de forma prejudicial por muitos filmes.

Seu mais recente trabalho, “Planeta dos Macacos: A Origem”, é prova de tudo isso. Não que Serkis seja o único capaz de criar bons resultados com essa tecnologia, mas, de fato, ele desbravou o caminho por, como ele mesmo diz, “ter compreendido o potencial e as características da ferramenta com facilidade e por ter feito isso antes de qualquer outro”, precisa ser compreendido.

Com a estréia “O Hobbit” (filme no qual, além de atuar, Serkis trabalha como diretor de segunda unidade) se aproximando, é bom ficar de olho nele e entender suas razões. Esta é uma entrevista exclusiva com Andy Serkis em Londres, em 2008. A tecnologia pode ter mudado, mas a mente desbravadora já estava lá.

De onde você tira toda essa intensidade para seus personagens?
Vou meio para o tudo ou nada. Acho que se não me transporto para cada personagem, não vou ficar satisfeito com o trabalho e estar ali deixa de ter sentido. É uma espécie de modo de trabalho capaz de aplacar minha própria necessidade por motivação. Nunca farei um filme só por fazer. Preciso estar 100% envolvido com aquela situação. Mas muito disso se faz necessário para o personagem, por exemplo, Capricórnio (personagem em “Coração de Tinta”) é um sujeito movido pela vingança contra um mundo no qual ele não passa de um mau-feitor sem futuro, assim como muitos ditadores. A maioria deles foram subestimados ou ignorados, então a resposta sempre surge com força no outro extremo. Ele é motivado pelo medo, mas, no fundo, teme perder seu poder e, com isso, voltar a ser um Zé Ninguém. Assisti muitas coisas de Adolph Hitler para ajudar a compor Capricórnio.

É impossível não falar de Gollum. Como ele influenciou tudo?

Trabalho há anos no teatro e em filmes independentes, mas não há como negar que ele mudou tudo. Claro que o modo como O Senhor dos Anéis foi adaptado, os papéis foram escritos e toda a parte técnica tiveram papel fundamental nisso, mas também abriu espaço para essa nova vertente de atuação: captura digital. Foi perfeito em termos de atuação, pois essa técnica permite tanta liberdade e amplia o repertório de qualquer ator na hora de executar. É uma das invenções mais brilhantes dos últimos anos e, embora muita gente reclame, pode ser utilizada positivamente. Você pode simplesmente ser qualquer personagem.

“A Lenda de Beowulf” tentou fazer isso e não deu muito certo, hein?
Vou ser cuidadoso nessa resposta (risos)! [Fazendo careta]. Estou muito empolgado com o aumento do uso dessa tecnologia, especialmente por diretores de ponta, especialmente Robert Zemeckis, que usou novamente em“A Christmas Carol”. Admiro essa postura dele, de ultrapassar as barreiras. Ao mesmo tempo, vemos veteranos entrando na onda. Quem imaginaria que gente como Anthony Hopkins faria algo assim?

Pelo menos os olhos de Gollum não eram estrábicos como em Beowulf…
(risos) 
A parte técnica não tem nada a ver comigo. É tudo culpa do Peter Jackson. Dei muita sorte em conseguir esse trabalho, para ser sincero.

NÃO É TODO DIA QUE SURGE ALGO CAPAZ DE MISTURAR DRAMA COM INOVAÇÃO TECNOLÓGICA DE MANEIRA TÃO POSITIVA ASSIM.

Escapou bem, hein?
(risos)
Mas você também levou isso a outro nível, afinal, já chegou a incorporar Gollum nos palcos com Jack Black e o Tenacious D. Gostou da brincadeira?
(gargalhadas) Aquilo foi intenso! Estávamos filmando “King Kong” e Jack e Kyle Grass tinham agendado um show em Wellington, perto do Natal, e ele perguntou se eu toparia cantar uma música como Gollum. Adorei a idéia. Ensaiamos uma vez e fomos para o palco. Foi quase tudo improvisação.

Aliás, essa nova onda de informação provocada pelos sites de vídeo afetam os atores do ponto de vista profissional? 
Tudo ficou mais fácil, não?
Posso sair na rua agora, falar com meia dúzia de pessoas e alguém vai filmar e colocar no YouTube em menos de 5 minutos. Acredito que o principal disso tudo é prestar atenção no que dizemos, afinal, com tanta informação circulando, não há o senso jornalístico de discernir o que foi dito no ‘calor da batalha’ de um tapete vermelho ou a opinião pessoa dita a um amigo dentro de um restaurante.

A atuação nesse mundo 3D ou motion capture ainda permite sutilezas na atuação ou transforma a arte em algo plano?
Tudo depende do diretor e do roteiro. Contanto que o comandante do barco entenda a natureza dramática de cada personagem e do que ele precise fazer, a técnica, seja qual for, deve surgir como elemento positivo. Acredito que o sonho da atuação não vá morrer por causa dos computadores.

E quando você teve esse sonho pela primeira vez?
 
Estudava artes visuais quando me ofereceram um papel no teatro. Descobri que estar no palco era milhares de vezes mais expressivo do que eu poderia ser com pinturas.

Ainda pinta?


Sim, mas estou enferrujado. Isso me ajuda a pensar em direção, um pouco de storyboarding e composição de cenas. Adoro dirigir.

Gollum é um personagem muito marcado pela dor e pela turbulência interna. Você baseia suas visões para sujeitos como eles em algum modelo pessoal ou mero estudo de roteiro?

Boa pergunta (risos). Sempre senti que parte da minha personalidade procurava naturalmente por experiências opostas ao que eu vivia. Meu filho às vezes me diz que está num dos “dias do avesso”, quando algumas coisas dão errado ou o deixam triste. Estou tentando me analisar para responder isso. Vejo como se deixasse minha individualidade de lado para questionar tudo considerado cotidiano ou aceitável. Justamente por isso dediquei muito tempo da minha carreira a essa análise do lado negro da sociedade, pelo ponto de vista artístico, claro (risada maligna).

Mais do que o braço direito do diretor de cena- e incorretamente tido como seu porta-voz artístico -, o assistente de direção é a peça-chave na engrenagem de qualquer produção: é o profissional que viabiliza, coordena, planifica, administra e executa qualquer produto audiovisual. Ele assegura que o cronograma de filmagem seja cumprido, resolve problemas técnicos e administra problemas de equipe.

Espera-se que entre seus talentos principais do profissional estejam as seguintes qualidades: capacidade de organização e de previsão de detalhes, criatividade e rapidez em resolver problemas, perspicácia, senso de logística e tática, espírito de observação, atenção e capacidade de trabalho em grupo.

O curso é estruturado de modo a percorrer o cotidiano do departamento de direção durante as etapas de realização de um filme (preparação, pré-produção, produção, pós-produção), identificando em cada uma delas as responsabilidades desempenhadas pelos 1º, 2º e 3º assistentes de direção.

O programa é composto por três eixos básicos: exposição teórica com a discussão de textos, análise de exemplos a partir da exibição de trechos de filmes, e apresentação, com exercícios práticos, das ferramentas básicas do software de edição Final Cut.

Para um melhor aproveitamento do curso recomenda-se que o estudante seja assíduo, realize as leituras indicadas, além de contribuir em sala de aula com as suas referências estéticas e o seu contato com o mundo audiovisual.

Indicado para profissionais da área que desejam um aprofundamento teórico-reflexivo e também para estudantes que tenham interesse em conhecer as possibilidades oferecidas pela montagem cinematográfica. Pré-requisito, ter no mínimo 16 anos.

O curso tem como objetivo fornecer um panorama dos principais movimentos cinematográficos do mundo ao longo dos mais de cem anos de história do cinema, proporcionando reflexões por meio da exibição dos grandes clássicos mundiais, contextualizados com fatos históricos e curiosidades.

Destinada a alunos de cinema, comunicação, artes, bem como profissionais da área audiovisual que buscam uma especialização teórica e ampliação do conhecimento sobre as grandes correntes cinematográficas mundiais.

Os dois principais movimentos cinematográficos europeus, o Neorrealismo italiano e a Nouvelle Vague, que influenciam até hoje diretores de diversos países, são analisados a fundo, com a exibição de trechos de filmes e depoimentos dos criadores. Por fim, o curso analisa as contribuições do cinema japonês, o viés politizado do Dogma 95, encerrando com uma análise sobre o cinema digital e como ele vem alterando drasticamente o modo de produção cinematográfica.

Cada aula conta com material didático de apoio, exibição de trechos de filmes, debates, reflexões e bibliografia sugerida.

O figurino é um dos elementos intrínsecos à construção da narrativa de um filme. É por meio dele que o espectador situa-se e descobre a época e o lugar onde a história acontece e, muitas vezes,
até a personalidade do personagem.

O objetivo da oficina é ensinar os principais conceitos, métodos e técnicas de figurino, por meio de atividades teóricas e práticas que reforçam o processo criativo. As aulas são fundamentadas na ideia de que o figurinista não é apenas o criador de vestuário e sim, de personagens.

Um dos pontos centrais do programa é o trabalho a ser realizado pelos alunos: no primeiro dia de aula, cada aluno escolhe um personagem para desenvolver o figurino e passa a trabalhar com ele ao longo de todas as etapas do curso, detalhando todo o processo de criação, sempre acompanhado pelos professores.

Indicada para designers, artistas plásticos, artesãos, produtores, profissionais ou estudantes interessados no estudo e execução de projetos de figurino para cinema, que buscam treinamento e aperfeiçoamento profissional. Não é necessário ter experiência prévia.

O aluno passa por todas as fases da realização: escolha do tema e pesquisa de campo, elaboração do pré-roteiro e gravação, roteiro final e edição. No caráter expositivo, o programa apresenta os dilemas e as possibilidades narrativas do
documentário, sensibilizando o aluno para a percepção dos elementos da linguagem cinematográfica e as opções éticas e estéticas da equipe, entendendo suas implicações na construção fílmica.

Com um programa abrangente, intenso, prático e reflexivo, o curso de Documentário oferece as ferramentas para a construção narrativa e estética de documentários, num momento de excepcional crescimento do gênero tanto no Brasil como no mundo, com inúmeros programas de incentivo à produção, festivais e oportunidades de distribuição e veiculação.

Nesta oficina mista para atores e diretores, essencialmente prática, o aluno estuda e experimenta os métodos específicos da interpretação para o cinema.

O programa aborda as diferenças entre o ator no cinema e no teatro, o olhar e identidade do intérprete, ações físicas e objetivos dos personagens, preparação dos atores para a rodagem, interpretação de roteiro e análise de filmes. Ensina a conduzir um aquecimento eficiente e a analisar uma cena (ritmo, dinâmica, status, intenções, obstáculos, estratégias etc.)

Os diretores trabalham diretamente com os atores em monólogos e cenas de cinema, buscando criar conexão entre os atores, acessar a espontaneidade, alcançar uma preparação emocional específica e construir o personagem dentro da linguagem do cinema.

Os atores trabalham as circunstâncias imaginárias, a dimensão da ficção, através de exercícios, que trazem o que é mais profundo e significativo para o trabalho do ator no cinema.

Ao longo do curso, atores e diretores de atores experientes, atuantes no mercado, são convidados para ministrar palestras aos alunos em aulas especiais.

O objetivo é aprofundar a arte e a técnica da escrita de roteiro. As aulas expositivas e os exercícios práticos visam um método sólido para aprimorar a escrita de roteiros. O aluno é estimulado a escrever o tempo todo e, seus textos são lidos e comentados pelo professor, e discutidos em sala de aula.

As aulas estão divididas em quatro módulos: teoria aprofundada de composição de personagem, diálogos, adaptação literária e narrativas contemporâneas.

Ao longo do curso, o aluno se dedica a escrever e reescrever seu projeto original de curta-metragem, passando por todas as suas fases da escrita: storyline, sinopse, argumento, escaleta e roteiro. Além do projeto, faz outros exercícios para a fixação dos conhecimentos adquiridos, como biografia de personagem e exercícios de diálogos e adaptação literária.

A oficina de Roteiro Avançado é destinada àqueles que já tem conhecimentos básicos de escrita de roteiro, de dramaturgia e de narrativa, tem aptidão e gosto pela escrita como uma atividade regular, e buscam o aprimoramento. Para aproveitamento pleno da oficina, é fundamental que o aluno tenha uma ideia ou uma sinopse breve para um roteiro de curta metragem com duração entre 10 e 20 minutos, a qual será desenvolvida na oficina. Assim o aluno poderá exercer na prática os ensinos teóricos dados na aula. Também é recomendável que o aluno possa ler textos em inglês.

O curso propõe uma análise da estética, da linguagem, da técnica e das referências de alguns filmes dos maiores cineastas da história do cinema.

Em cada aula, um diretor importante – representativo de um momento da história do cinema – é analisado, usando como base seus filmes, exibidos em sala. Junto a isso, é introduzido o contexto histórico de seu trabalho, mesclando com reflexões sobre o estilo de outros diretores.

Elementos de vanguarda contidos em cada obra, interpretação e diálogos, enquadramento, fotografia, figurino, cenários internos e externos estão entre os assuntos estudados. Um programa que possibilita apurar o olhar, estimulando a reflexão para os elementos presentes no trabalho de cada diretor.

Com aulas expositivas, exibições, análises e discussões, o curso fornece um panorama abrangente do cinema sob o ponto de vista da linguagem, que serve de instrumental para o trabalho de roteiristas, diretores, produtores, diretores de arte, editores, profissionais e estudiosos de cinema, e para quem se interessa em conhecer o cinema por dentro.

Obs.: O programa se difere do Intensivo Estudos de Direção oferecido nas férias, apresentando outros diretores.

Usando como apoio exemplos de textos ou fragmentos de filmes, o aluno conhece as bases de escrita do roteiro, como estrutura, conflitos, caracterização, diálogos etc. Essa instrumentação também permite cultivar um olhar mais agudo e sensível, necessário à análise de filmes e à escrita de roteiros.

O programa toma como referência os principais autores associados ao roteiro, como Jean-Claude Carrière, Erikson, Bonitzer, Robert Mckee, Vogler, Umberto Eco, Michel Chion, Aristóteles, David Mamet, entre outros. E prioriza a prática, por meio de exercícios individuais de escrita.

Ao final do curso, o aluno desenvolve um roteiro (ou argumento) de um curta-metragem.

Não é necessário ter conhecimentos básicos de escrita de roteiro ou de dramaturgia, mas é recomendável ter aptidão e gosto pela escrita, tendo-a como uma atividade regular. Para aproveitar plenamente o curso, é fundamental que o aluno tenha de antemão uma ideia ou uma sinopse breve para um roteiro de curta-metragem de no máximo 10 minutos.

Os alunos experimentam cada passo do processo de produção: roteiro, produção, direção, fotografia, som, direção de arte e edição, trabalhando em equipes reduzidas de aproximadamente cinco alunos, cada qual responsável por uma função específica na execução do filme, exatamente como num set profissional.

Cada equipe é responsável pela realização de um projeto, cujo roteiro é produzido pelos próprios alunos. Aulas teóricas e práticas servem como instrumental durante todo o processo de produção, e os projetos são acompanhados de perto pelo coordenador e por uma equipe de professores formada por profissionais especializados e atuantes no mercado.

Depois de finalizados, os filmes são apresentados a uma banca de professores, que analisa e comenta os projetos. Ao final do curso, são exibidos numa mostra aberta ao público.

Durante as aulas serão abordadas as várias etapas do processo criativo, como: o desenvolvimento de projetos de cenografia e figurinos, o processo construtivo, a adequação de orçamentos e prazos, a metodologia de trabalho, os desenhos técnicos e as diferentes formas de apresentação de um projeto de arte.

Desde o inicio do curso os alunos estarão focados em realizar um projeto de direção de arte experimentando suas várias etapas de realização e ao final farão a apresentação e defesa de seus projetos.

As aulas serão ministradas por professores especialistas e atuantes de cada área que compõe a Direção de Arte, como figurino, maquiagem, produção de objetos e pintura de arte e os alunos serão convidados a fazer uma reflexão sobre o papel da direção de arte em cinema a partir da apreciação e análise de trechos de filmes significativos para a história e evolução da linguagem cinematográfica.

O curso é indicado para quem tem interesse pela área e tem como objetivo trabalhar com Direção de Arte ou conhecer melhor o universo cinematográfico. Não é necessário ter experiência prévia.

O diretor de arte é uma espécie de “maestro visual”: ele coordena, afina e harmoniza os elementos visuais que compõe a cena, que será iluminada e fotografada para um filme ou para a TV. Sua orquestra é composta de cenógrafos, cenotécnicos, pintores, figurinistas, maquiadores, cabelereiros, produtores de objetos, técnicos de efeitos especiais e mais recentemente, especialistas em computação gráfica. A equipe sob sua responsabilidade é como uma orquestra: cada um dos membros precisa estar afinado, precisa conhecer a partitura, precisa executar corretamente e inspiradamente a sua parte para que o conjunto da obra seja belo e harmonioso.

Realizar a direção de arte de um filme é tarefa complexa que envolve pesquisa, cálculo de custos, gerenciamento de pessoas, além de um profundo conhecimento sobre história da arte, técnicas de construção de cenário, criação 3D em computador, iluminação, fotografia.

O diretor de arte precisa se relacionar com os outros departamentos do filme, especialmente com o diretor de fotografia e o coordenador da produção. Na TV o trabalho é um pouco diferente do cinema, porque geralmente as pessoas têm contrato fixo e um departamento onde se armazena o material de cena, chamado contra-regra, mas a lógica do trabalho permanece a mesma do cinema. É fácil identificar visualmente uma novela, por exemplo, que possui boa direção de arte de uma que não tem. A boa direção de arte faz com que novelas de época, por exemplo, tenham todos os elementos visuais harmoniosos e dentro da época retratada, sem misturas.

A direção de arte não foi sempre assim. No início do cinema, o que se via na tela era uma transposição das técnicas teatrais de cenotécnica, maquiagem e figurino. O cinema dos primórdios, da década de 1910 a 1920, era teatral, a composição visual ainda se apoiava na pintura e na fotografia. Quando assistimos Metrópolis de Fritz Lang ou o Encouraçado Potemkin de Eisenstein a impressão que temos é de uma grande ópera filmada ou de quadros numa exposição, com cenários grandiosos em longos planos abertos, cada um dos planos estudado como se fosse uma pintura. O cinema ainda engatinhava, descobria através do experimentalismo como criar uma linguagem própria.

A técnica influenciou muito nesse processo, as câmeras não possuíam mobilidade, o filme tinha limitações. As primeiras atrizes do cinema mudo usavam maquiagem amarela para aumentar o contraste com os olhos, o filme, de pouca sensibilidade à luz, deixava a pele humana cinza.

Com a evolução dos equipamentos e com o desenvolvimento de uma linguagem cinematográfica, surgiu a necessidade de mais profissionais especialistas em criar elementos visuais para o olhar da câmera. O aumento da equipe fez com que fosse criada a figura do diretor de arte.

Na década de 40, os estúdios americanos trabalhavam como grandes indústrias cinematográficas, com vários filmes sendo produzidos ao mesmo tempo. O fator técnico decisivo para a logística da filmagem era o technicolor, que exigia uma câmera grande que trabalhava com quatro chassis de filme ao mesmo tempo, fixada em gruas ou travellings para poder ser movimentada, operada por até 6 pessoas. A falta de mobilidade exigia o máximo controle de condições climáticas e de iluminação. Tudo se construía em estúdio, mesmo as ruas externas onde Gene Kelly dançou na chuva, tudo era iluminado artificialmente.

O technicolor, pela forma como produzia o filme colorido, exigia que se usassem cores fortes e contrastantes nos figurinos e cenários. O trabalho da direção de arte era limitado ao conjunto de regras do technicolor, não se usavam cores pastéis, não se usavam semitons.

A Nouvelle Vague veio resgatar o ar livre, produzindo filmes em preto e branco com câmeras leves em ambiente externo. O realismo italiano valorizou o homem, o ambiente humano retratado como ele é. O cinema começou a ter variedade de linguagens e estilos.

Hollywood seguiu com sua vocação industrial e continuou produzindo, os atores e atrizes se transformam em ídolos e mitos. Walt Disney começa a produzir animações na década de 50. A Cinecittá italiana começa a produzir também em escala industrial, com seus estúdios-cidade. E o diretor de arte ganha mais espaço para trabalhar.

A partir da década de 1970 direção de arte passou a ser um conceito muito mais sofisticado. Um dos grandes cineastas que transformou o trabalho do diretor de arte foi Stanley Kubrick, o outro foi Frederico Fellini.

Kubrick, fotógrafo e perfeccionista, transformava cada um de seus filmes em obras de arte visuais. Em 1974, realiza Barry Lyndon e dá condições a suas duas diretoras de arte para que realizem um filme de época de uma forma que não havia ainda sido feita. A direção de arte faz uma extensa pesquisa sobre as roupas da época, as perucas, a maquiagem. Kubrick autoriza sua equipe a comprar roupas em leilões, peças originais da época de Barry Lyndon. Cada plano é produzido como pintura, mas não qualquer pintura, como as pinturas da época em que o filme se passa. Kubrick manda fabricar uma câmera especial para filmar à luz de velas. O resultado é um filme lento, com ambientes irretocávies, iluminado apenas com luz natural e velas, onde cada personagem está perfeitamente caracterizado como se vestia na época, onde cada cenário e locação foi preparado para dar a impressão ao espectador que voltou no tempo, que o que está assistindo é uma reconstituição perfeita.

Fellini era um dos cineastas mais criativos de todos os tempos, surrealista e humanista. Fellini criou uma galeria de personagens bizarros e cenários de sonhos. A Cinecittá, em pleno auge, foi seu ambiente. Seus filmes tem uma linguagem visual muito particular, que mistura reconstruções de lugares reais em estúdio – como a réplica da Fontana di Trevi, que aparece em Oito e Meio – com cenários evidentemente artificiais, como o oceano de plástico e o fundo pintado de La Nave Va.

Outro cineasta que permitiu inovação foi George Lucas com seus filmes de ficção científica. Lucas faz o primeiro Star Wars com a técnica desenvolvida pelos estúdios Disney para criar cenários realistas: placas de vidro pintadas onde os personagens são depois “colados” na montagem do filme. As técnicas de montagem ainda eram as mesmas desde a década de 20. Descontente com o resultado, Lucas abriu a Industrial Light and Magic. A direção de arte ganhou um novo departamento: a computação gráfica.

Apesar de toda a tecnologia atual e das quase infinitivas possibilidades de produção, o princípio criativo do diretor de arte permanece o mesmo: transformar em realidade o que o diretor e os roteiristas do filme imaginaram. Construir mundos de sonhos, seja no mundo real em estúdio, seja
no computador. Um filme sem direção de arte pode ser um bom filme; um filme com boa direção de arte será sempre um filme melhor.

Daniela Castilho é diretora de arte, artista plástica e designer
Artigo originalmente publicado na Gazeta Mercantil em 30 de junho de 2006 no Caderno Fim de Semana, página 04

fonte: Danicast Overblog

Fonte:http://www.youtube.com/user/videobijari